Shoko Okumura

Nightfall

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Nightfall in the forest

42 × 31 cm
Vendu
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Nightfall #44

45.5 × 33.3 cm
Vendu
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Nightfall #45

45.5 × 33.3 cm
Vendu

Empathy towards Thing

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Melody of the Maple

34 × 24 cm
Vendu
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Empathy towards Things #3

31.8 × 41 cm
Vendu
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Empathy towards Things

35 × 45 cm
Vendu

Ephemeral Moments

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Longing instant at dusk #15

42 × 22 cm
2 200 €
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Longing instant at dusk #7

42 × 22 cm
2 200 €

Wandering Seasons

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Revenant

64 × 90 × 2.5 cm
Vendu
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Phantom Petales

80 × 80 × 2.5 cm
7 500 €

Tree portraits

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Kodama

33 × 24 × 2.5 cm
Vendu
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Tree Portrait #3

63 × 54 × 2.5 cm
Vendu
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Tree Portrait #1

63 × 54 × 2.5 cm
Vendu
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Eastern Wind

50 × 65 × 2.5 cm
Vendu

Biographie

Les tableaux de la peintre contemporaine japonaise Shoko Okumura explorent la relation entre l’homme et la nature, en mettant l’accent sur en mettant l’accent sur la dimension spirituelle de la nature et le caractère éphémère de ce qui la constitue. Il en résulte des œuvres délicates et profondément poétiques, où la richesse des détails donne vie aux éléments naturels et où l’or et l’argent, appliqués en fines feuilles, illuminent la surface en reflétant la lumière.

Shoko Okumura : la dimension spirituelle de la nature

Au cœur de l’œuvre de Shoko Okumura se trouvent les croyances, la spiritualité et les traditions japonaises liées à la nature et à ses éléments. Son travail est inspiré par la vision shintoïste qui considère la nature comme sacrée, peuplée de forces invisibles assimilées à des divinités. Ainsi, dans ses peintures contemporaines, la nature apparaît comme animée, vivante, en mouvement.

L’artiste souligne également que les sanctuaires japonais sont traditionnellement construits au sein de paysages inaltérés, souvent nichés au cœur des forêts. Ce rapport harmonieux entre spiritualité et environnement naturel contraste avec la tradition religieuse occidentale, où les édifices sacrés s’élèvent majoritairement dans les centres urbains. La sacralité de la nature et son rôle central dans la relation entre l’homme et le monde imprègnent tout le travail de Shoko Okumura, qui se montre également soucieuse des enjeux écologiques et de la préservation des environnements naturels.

« J’essaie d’expliquer pourquoi nous peignons toujours des éléments naturels ou des paysages. C’est parce que la peinture japonaise est née pour représenter la divinité shintoïste invisible, présente dans les multiples éléments de la nature. » — Shoko Okumura

L’essence des choses fixée dans l’instant présent

Le travail de Shoko Okumura est également très influencé par le « mono no aware » (物の哀れ), un concept esthétique et spirituel de la culture japonaise évoquant l’impermanence des choses et une sensibilité presque mélancolique à leur caractère éphémère. La beauté de la nature n’est donc pas figée : elle est en perpétuelle transformation — les saisons défilent, les couleurs s’estompent, les harmonies des sons se modifient… À travers sa peinture, l’artiste cherche à pérenniser l’instant présent, à le vivre pleinement et à immortaliser la nature qu’elle contemple avec admiration.

« La “mélancolie des choses” ne nous empêche pas de capter leur essence dans l’instant, lequel – parce qu’il est unique – devient à sa manière permanent. Plus qu’un canon esthétique, le mono no aware est une manière d’être profondément inscrite dans l’esprit japonais, vécue plutôt que simplement observée. Il trouve également son expression dans la peinture, dont je me sens la messagère depuis des années. » — Shoko Okumura

Une technique entre héritages artistiques japonais et italien

Shoko Okumura nait au Japon en 1983 et grandit à Tokyo, nourrie par une fascination pour tout ce qui est historique et ancien. Après des études en histoire de l’art à l’École des Beaux-Arts, puis en peinture traditionnelle à l’Université des Arts, elle quitte la métropole moderne pour s’installer à Florence, en Italie, afin d’y étudier la restauration des fresques.

Cette immersion dans les techniques italiennes lui permet de découvrir de nouveaux matériaux qu’elle associe avec ceux de sa tradition. Elle élabore alors sa propre méthode : sur un support de papier japonais, elle applique souvent une base en feuilles d’or ou d’argent, puis peint par-dessus à l’aide de pigments traditionnels japonais combinés à ceux employés pour les fresques. Une fusion subtile entre deux héritages artistiques très différents et très riches.

Durant ses quinze années en Italie, elle développe à la fois sa carrière de restauratrice, d’enseignante de peinture traditionnelle japonaise et d’artiste. Depuis 2010, ses œuvres sont exposées dans des galeries et des foires d’art au Japon et en Europe. Son corpus artistique se déploie également dans d’autres domaines tels que la mode, l’édition ou la joaillerie, grâce à de nombreuses collaborations. En 2023, son travail est reproduit en tissage Nishijin pour le prestigieux hôtel Bulgari de Tokyo. Aujourd’hui, Shoko Okumura vit et travaille entre Tokyo et Milan.